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Exhibiciones

Simon Fujiwara detail of Studio Pietà (King Kong Komplex), 2013  Mixed media installation Production photograph Rainer Elstermann Commissioned by the Sharjah Art Foundation, SB 11, 2013

Simon Fujiwara
detail of Studio Pietà (King Kong Komplex), 2013
Mixed media installation
Production photograph Rainer Elstermann
Commissioned by the Sharjah Art Foundation, SB 11, 2013

Simon Fujiwara is known for his autobiographical explorations of identity and sexuality that blend fact and fiction into rich, absorbing narratives. His complex installations incorporate sculpture, performance, video and photographic elements to create fully imagined scenarios that underscore the interdependence of personal history and more universal narratives. [...]

press release

 

 

 

 

 

 

 

 

 

The near­est part is in focus while the areas fur­ther back are blurry. It depends where you stand.
The inside is out of sight. Cov­ered.
You just see the upper­most part. Where the object ends and meets the out­side. Meets the eye.
The tem­per­a­ture. The grain. Rough or smooth. Def­i­nite or fuzzy.
The out­side slowly wears the inside. And the dif­fer­ence between the two soft­ens.
The sur­face only has one side. It has no depth. The other side is the inside.
— Marie Lund

FLAT BED

Ben­jamin Hirte
Marie Lund
Rolf Nowotny

Christian Jankowski, Heavy-weight History, 2013. Print on barite paper. Photo: Szymon Rogiński.

Christian Jankowski, Heavy-weight History, 2013. Print on barite paper. Photo: Szymon Rogiński.

The artist, working across video, installation, photography, and the mass media formats of television and cinema, joins in his practice a surprising turn of events with the elements of dry irony as well as the aesthetics of mass media (especially popular TV shows and movies). The exhibition shown at the CCA in Warsaw consists of a retrospective presentation of the most significant works by Jankowski from 1992 to 2012, including his latest work,Heavy-weight History, which was realised in Warsaw specifically for this occasion.

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BASEL.- With Graffiti, the Mexican artist collective Tercerunquinto (‘a third of a fifth’) delivers a conceptual message at the interface of institution and public space. Awaiting the viewer on the back wall of the Kunsthalle is a completely black surface, whose unassuming initial impression belies a work of remarkable potency. Contrary to the expectations generated by the title, we see no political slogans or sophisticated pieces of graffiti art. The original white wall shimmers sporadically through the monochrome black surface, and only a few areas that did not receive several coats still contain clues that Graffiti was created by spray­painting. [...]

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Laurel Gitlen | Edgardo Aragón, Treasure.

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Edgardo Aragón
Tesoro, 2013 (detail)
series of ten tables with digital prints
91.4 x 182.9 x 63.5 cm each

The landscapes in Aragón’s work juxtapose those idealized by Western films and
traditional Mexican painting with a real landscape transformed by misery,
corruption, exploitation, and abandonment. In earlier works, land marred by
narcotrafficking, violence, and death is turned into a psychological backdrop to a
more personal narrative, connecting the artist’s childhood to the inherited
landscape of his father’s and grandfather’s Mexico. Often incorporating folksongs,
oral histories and personal narratives, Aragón’s critical approach is always
underscored by a textured familiarity and sensitive attachment to the land.

In this new body of work, <i>Treasure</i>, Aragón presents intimate portraits of ten
families from Mexico City and Oaxaca (including his own) that document the meager
jewels they have managed to conserve across generations despite mounting financial
pressures. The images reflect the failings of a broken society, where inheritance
includes cheap gold and mutilated pieces of jewelry, but also debts accumulated
from the historical system of tiendas de rayas, company stores that tie workers
into a system of small debts (abanos chiquitos), and their contemporary
counterparts whose usurious interest terms continue to create unsustainable
financial burdens. In order to relieve these debts, families are often forced to
pawn their last belongings, typically these small jewels and inherited keepsakes.

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Aleksandra Domanović

19:30

El trabajo de Aleksandra Domanović se concentra en la circulación y recepción de imágenes e información, especialmente a medida que éstas cambian de significado, pasando por diferentes contextos y circunstancias históricas. Recientemente, Domanović ha enfocado su atención en las formas complejas del flujo de la cultura de la imagen y de la información que se han formado en un ambiente de postguerra de la antigua Yugoslavia.

Tomando el título del horario nocturno de los programas televisivos de noticias de la antigua Yugoslavia, el proyecto de Domanović 19:30, es una antología de los títulos del noticiero y los temas musicales de la primera transmisión televisiva de noticias de Yugoslavia en 1958 hasta el presente; así como una colección de los remixes, ediciones y nuevas versiones que fueron comisionadas. El trabajo de Domanović comenzó en 2010 cuando la artista viajó por las antiguas repúblicas de Yugoslavia, visitando las cadenas de televisión y archivos nacionales de Bosnia-Herzegovina, Croacia, Montenegro, Kosovo, Macedonia, Serbia y Eslovenia. Invitó a dj´s de música tecno para colaborar en el proyecto, los cuáles utilizaron el material que Domanović había recolectado como muestra para mezclar la música. El proyecto yuxtapone los valores musicales, históricos y psicológicos de dos diferentes experiencias colectivas: ver el noticiero de noche, que atrajo a masas de gente de todas las diferentes nacionalidades de la antigua Yugoslavia a sentarse delante de sus televisores todas las noches a las 7:30; y el poder de la música electrónica para unir a los jóvenes de estas naciones.

Domanović (Novi Sad, antigua Yugoslavia, 1981) vive y trabaja en Berlín. Sus próximas exposiciones individuales incluyen: Kunsthalle Basel (curada por Adam Szymczyk); Villa du Parc (con Oliver Laric), Annemass, Francia; SPACE, Londres; y Tanya Leighton Gallery, Berlín. Su trabajo se presenta actualmente en el Kunstlerhaus Bethanien, Berlín y en el Sculpture Center de Nueva York. También ha sido comisionada para crear una obra de arte público para la 4ª Bienal de Marruecos (29 de febrero – 30 de mayo de 2012). Recientemente ha expuesto en ‘Banal Inferno’, CCA Glasgow (2011); ‘The Present’s Present’, Centré d’art Nechâtel, Francia (2011); ‘Based in Berlin’, n.b.k., Berlín (2011); ‘Imagine Being Here Now’, 6a Bienal Momentum, Moss, Noruega (2011); ‘Free’, New Museum, Nueva York (2010).

Sharon Hayes

I March In The Parade of Liberty But As Long As I Love You I’m Not Free.

A través del performance, el video y la instalación, Sharon Hayes examina la intersección entre la historia, la política y el discurso público, enfocándose particularmente en el lenguaje de los grupos de protesta del siglo XX. Al apropiarse de las herramientas de la manifestación pública, Hayes reconfigura la imagen del protestante de forma que desestabiliza las expectativas del espectador y amplía las posibilidades y los retos de modelos pasados que reviven dentro de un presente cínico. Representando protestas, pronunciando discursos y llevando a cabo demostraciones, la artista realiza intervenciones que destacan la fricción entre actividades colectivas y acciones personales.

En sus proyectos más recientes, Hayes entreteje el discurso íntimo en un contexto determinado, con la intención de ampliar las implicaciones que tiene la voz individual en el cuerpo político. I March In The Parade of Liberty But As Long As I Love You I’m Not Free, es un performance que se llevó a cabo desde diciembre 2007 hasta enero de 2008 en Nueva York, en él, Hayes se dirigió a un amante anónimo ausente hablándole por un altavoz. Mientras que hablaba sobre el amor y el deseo, la artista mencionaba la guerra en Iraq para enfatizar la manera en que la guerra interrumpe nuestras vidas diarias, nuestras actividades, nuestros deseos, nuestro amor. Siguiendo con la interrogante reconocida de Hayes sobre la distancia infinitesimal que separa lo público de lo privado, este trabajo es también un reflejo de la diferencia entre hablar y escuchar –una especie de confesión que combina el lenguaje de la política, la transmisión de secretos y el idioma del amor.

Hayes (Baltimore, Maryland, USA 1970) vive y trabaja en Nueva York. Algunas de sus exposiciones para 2012 se llevarán a cabo en el Museo Reina Sofía, Madrid; The Whitney Museum of American Art, Nueva York y Tanya Leighton Gallery, Berlín. Actualmente su trabajo se presenta en el Art Institute de Chicago (exposición individual); Frankfurter Kunstverein, Frankfurt am Main; Museum of Modern Art, Nueva York; Deutsche Guggenheim, Berlín; Michel Rein Gallery, París; y Marginal Utility, Filadelfia. Su trabajo se ha expuesto internacionalmente incluyendo la 54 Bienal de Venecia; Bienal de Estambul; Trienal de Yokohama; Trienal de Auckland; Documenta 12 (trabajo en colaboración), Kassel; Fundación Generali, Viena; P.S.1 Museo de Arte Contemporáneo, Nueva York; Guggenheim, Nueva York; Whitney Museum of American Art, Nueva York; Museum Moderner Kunst (MUMOK), Viena; Warhol Museum, Pittsburg; Artist Space, Nueva York; Art-In-General, Nueva York; New Museum of Contemporary Art, Nueva York; Lisson Gallery, Londres; y Kunstmuseum, St. Gallen.

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